martes, 24 de abril de 2012

Goya

Goya se forma como pintor en el taller de José Luján en Zaragoza, bajo el influjo del Barroco, y refuerza su formación con un viaje a Roma. Sus primeras obras son barrocas y en este estilo trabaja todavía cuando realiza el fresco de la cúpula de la basílica del Pilar de Zaragoza donde se observa la influencia del estilo decorativo.
En 1774 llega a la Corte para acabar de formarse en el taller de Francisco Bayeu, con cuya hermana se había casado. En esta época la pintura de Goya sufre una primera transformación cuando, gracias a su cuñado, comienza a realizar cartones para tapices. Trata temas profanos, como corresponde a los tapices que decoran las salas privadas de la familia real. Es un trabajo que le aproxima a la estética rococó.
La formación de Goya se enriquece, pues puede acceder a la colección de arte de los monarcas y conocer las obras de Velázquez y Rembrandt, a quienes siempre consideró sus maestros. Pero, además, su trabajo en la fábrica de tapices le abrió también las puertas de la aristocracia, y su carrera despegó.
En 1792, sufre una enfermedad que le deja una secuela física, la sordera, que se ve acompañada de una crisis personal causa por la que nace el crítico con la sociedad, que sabe inspirarse en ella para hacer visibles las profundas turbaciones del espíritu. Fruto de ese anhelo es la serie grabada de los Caprichos.
Por entonces realiza los retratos de La duquesa de Alba y, en torno al cambio de siglo, algunas de las obras más famosas de su carrera: los frescos de San Antonio de la Florida y magníficos retratos, como el de La condesa de Chinchón, con la tierna expresión del rostro y el prodigioso cromatismo de los brillos del vestido, el de Jovellanos, donde abandona el antiguo empaque retórico para centrarse en la actitud individual y, sobre todo, el de La familia de Carlos IV, magistral caracterización de personajes que no ocultan, tras los oropeles, su precaria condición humana. También son de esa época las Majas, donde el cuerpo femenino se exhibe como muestra de placer y de poder.
La familia de Carlos IV

La guerra de la Independencia terminó de revelar las paradojas en que se había construido la época de Goya: las ideas del espíritu ilustrado, que él mismo había compartido, encarnadas ahora por los franceses frente al obsoleto régimen de Carlos IV, provocaban escenas de horror.
Fruto de esa visión son los grabados de los Desastres de la guerra: El 2 de mayo de 1808 en Madrid o La carga de los mamelucos, que recoge la masacre del enfrentamiento, y El 3 de mayo de 1808 en Madrid o Los fusilamientos de la Moncloa, verdadero alegato moral en favor de los vencidos, héroes humanos por encima de la maquinaria irracional de sus enemigos.
Los afusilamientos de la Moncloa

En 1819, Goya, viejo y desencantado, compra la llamada «Quinta del sordo», donde, libre de cualquier condicionante, realiza las pinturas negras, en las que da rienda suelta a su imaginación, con pinturas como el Saturno devorando a uno de sus hijos, alucinante representación de lo monstruoso.
Saturno devorando a uno de sus hijos

jueves, 19 de abril de 2012

BARROCO ESPAÑOL

En España aparece el arte barroco en el siglo XVII.  En la arquitectura se introduce el concepto de plaza mayor, las plazas más famosas son la plaza mayor de Madrid, Gómez de Mora y la plaza mayor de Salamanca, Churriguera. También se evoluciona hacia una arquitectura palaciega más decorativa.  A demás, la arquitectura evoluciona des de la religiosa hasta la Churrigueresca.
Los arquitectos más destacados son Ribera con El hospicio de San Fernando y Alonso Cano con la fachada de la catedral de Granada.
fachada catedral de Granada

El arte pictórico tiene varios principales focos, los cuales son Valencia, Sevilla y Madrid. En Valencia nació Ribera, el más representativo autor de esta ciudad con su obra Martirio de San Felipe. Sus características son: el estudio de la luz (tenebrismo), el estudio de la anatamia en la reoresentacion de los cuerpos y el naturalismo-realista.
el martirio de san Felipe

En Sevilla el arte pictórico se divide en dos etapas. La primera (1º mitad de siglo XVII) destaca por el realismo y la delicadeza al representar sus cuadros. Tambien es importante la luz, es decir, el tenebrismo.  La segunda etapa (2º mitad del siglo XVII) se caracteriza por una mayor sencillez en las representaciones, un naturalismo-realista y tonos más brillantes en la representación de la luz para remarcar más el claroscuro.
Los pintores más representativos de esta ciudad fueron Zurbarán con el Bodegon de cacharros, Alonso Cano con  la Inmaculada, Murillo con su obra los niños comiendo fruta y Valdes en las representaciones de las vanitas.
el bodegón de cacharros

En Madrid el máximo representante es Velázquez considerado el mejor pintor español en cuanto al claroscuro y el naturalismo-realista. La pincelada de este autor es suelta, no alinea los contornos de lo que desea pintar sino que directamente pinta con color. Domina la perspectiva aérea en la cual destaca considerablemente y domina a la perfeccion el dibujo y la luz. Este autor pinta todos los estilos: religioso, retratos, mitología, y era el pintor oficial de la casa real de Alfonso VII.
Sus obras más importantes son: Vieja friendo huevos, El triunfo de Baco, La rendición de Breda, Las meninas, las hilanderas, la Venus en el espejo que fue el primer desnudo en España, Etc…
las meninas
el triunfo de Baco

En el arte escultórico, aparecen nuevamente otros focos que son Castilla, Sevilla, Granada y Murcia.
Las características de Castilla son el naturalismo realista y el dramatismo, estudio de la anatomía, el expresionismo y escultura de grandes conjuntos. Los escultores más destacados son: Gregorio Fernández  y su escultura del cristo yacente, Los Churriguera con el retablo y Los Tomé con Transparente o la catedral de Toledo.
cristo yacente

En Sevilla destaca Martínez Montañés y Juan de Mesa. Sus características son una belleza ideal y la tensión al pintar. Sus obras son: Jesús niño.
Jesus niño

 En Granada,  las características son serenidad, gracia y misticismo. Los escultores son : Alonso Cano con la representación de la inmaculada y Pedro de Mena con la Magdalena penitente.
En Murcia, se representa el dinamismo y el sentimentalismo. El autor más conocido es Salzillo, con la representación de la oración del huerto.

la oración del huerto


martes, 10 de abril de 2012

ESCULTURA Y PINTURA BARROCA

 Escultura, Siglo XVII
·  La tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos sus aspectos.
·  Realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.
·  Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.
·  Se da gran importancia al desnudo, creando grupos compositivos que permiten la contraposición de las mujeres al incidir la luz sobre las superficies de las esculturas..
·  Se utiliza preferentemente la madera, el mármol, etc.

· En Italia: Búsqueda de  la síntesis de las artes. Dominio técnico de los materiales. Realismo, teatralidad, movimiento. Composiciones monumentales. Captación del instante. Escultura religiosa, en relación con su entorno arquitectónico. Sepulcros. Escultura mitológica.
BERNINI: Apolo y Dafne, David, El éxtasis de Santa Teresa.

             
· En Francia: Escultura oficial y decorativa. Claridad en la interpretación. Control de la Academia. Exaltación de la monarquía: visión del rey como un personaje divinizado. Escultura mitológica.
GIRARDONI: Apolo servido por ninfas

Pintura, siglo XVII
Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, Vanitas, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo.
Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.
Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización y concepción propias del siglo anterior.
En Italia:
 Naturalismo: Modelos tomados de la vida cotidiana. Composiciones complejas. Claroscuro.
Clasicismo: Belleza idealizada. Equilibrio y serenidad. Inspiración en los grandes maestros italianos.
Barroco Decorativo: Prolongación de la arquitectura en la decoración al fresco. Perspectivas aéreas. Triunfalismo y apoteosis ornamental. Sensaciones espaciales de amplitud.

En Flandes: Población católica. Temas: pintura religiosa de gran formato; pintura mitológica decorativa; retrato; pintura de género.

En Holanda: Población protestante. Independencia política. Sociedad burguesa. Temática: pintura religiosa de pequeño tamaño; retrato individual y colectivo; pintura de genero, paisajes y bodegones.

sábado, 24 de marzo de 2012

ARQUITECTURA BARROCA

Italiana:                                                      Obras y Autores:
· Reformas urbanísticas                                        BERNINI: baldaquino de San Pedro, San Andrea
·síntesis de las artes                                                               del Quirinal.
· Concepto escénico del espacio                         BORROMINI: Iglesia de San Carlos.
· Dinamismo y movilidad

Badalquino San Pedro del Vaticano
San Andrea del Quirinal

San Carlos de las cuatro fuentes



España:                                                                   Obras y Autores:
· El concepto de plaza mayor                                      Alonso Cano: fachada de la catedral de
·La arquitectura palaciega:                                                                   Granada.
de lo escurialense a lo decorativo                              Casas y Novoa: Fachada del Obradoiro de la
· Evolución en la arquitectura religiosa                                  catedral de Santiago de Compostela
 hacia lo churrigueresco
·desarrollo de focos locales

Fachada catedral Granada

fachada Obradoiro 











Francia:   

                                                                                        Obras y Autores:
· Control oficial de las artes; clasicismo,                               Luis Le Vau y Harddouin Mansart:
solemnidad y decoración , espacios ajardinados.                                       Palacio de Versalles


lunes, 19 de marzo de 2012

EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ

El autor de esta obra es Domenikos  Theotokopulos, conocido como El Greco. Esta influido por el arte bizantino  por el renacimiento Italiano ya que vivió en Roma y Venecia.

La obra esta pintada sobre lienzo y la técnica empleada es el oleo.
El cuadro esta dividido en dos partes, la inferior (la tierra) y la superior (el cielo). Se observan varios puntos de unión como las cruces, la mirada de algunos personajes, etc.
En la parte terrenal se observa al conde señalado por la mujer de estatura pequeña que sostiene un cirio. Los personajes secundarios están en perspectiva escalonada alineados para dar una sensación de más profundidad.

La parte del cielo se reconoce un rombo, formado por la Virgen, Jesús, el ángel, y San Juan Batista.
Las figuras de la parte inferior destacan personajes conocidos de la época y están pintados con un cierto realismo. Hay que destacar el lujo de los ropajes del conde Orgaz y los dos personajes que lo sostienen.
En el mundo celestial se observan colores fríos, apagados; en cambio en el mundo terrenal, predomina el negro, como en todo la obra pero hay colores mas cálidos.

Respecto a la luz no precede de ningún punto concreto, una luz artificial, propio del manierismo. Esta luz recae sobre varias partes: los santos, el conce Orgaz, las caras de los personajes. En el cielo recae sobre los personajes mas importantes como Cristo. Esto crea la técnica del claroscuro.


sábado, 17 de marzo de 2012

EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

Renacimiento español es la expresión empleada para designar a la influencia y al desarrollo que se dio en España del movimiento artístico originado en Italia en el siglo XIV, y posteriormente extendido al resto de Europa Occidental, conocido como Renacimiento.

Pintura:
Influencia de la pintura flamenca ( realismo de las composiciones, claridad y cuidado en los detalles).
La pintura del Renacimiento español se lleva a cabo normalmente al óleo. Realiza interiores perfectamente sujetos a las reglas de la perspectiva, sin agolpamiento de los personajes. Las figuras son todas del mismo tamaño y anatómicamente correcto.

Ciudades.
Finales siglo XV y comienzos del XVI
Valencia: grutescos, representación anatómica, sfumato y equilibrio.
Castilla: fusión de lo hispano flamenco con lo italiano.
Primera mitad siglo XVI
Difusión de las composiciones clasicistas de Rafael y de la fuerza de la pintura de Miguel Ángel.
Valencia: modelos dulces y sentimentales para mover a devoción.
Castilla: influencia de miguel angel y de la pintura manierista, con proporciones alargadas y actitudes forzadas.
Extremadura: expresividad, ternura, figuras dolientes.
Segunda mitad del siglo XVI
Imposición de los gustos de Felipe II
Decoración del escorial por pintores italianos.
Grandes retratos
Destaca El Greco

Autores

§  El Greco: líder indiscutible del manierismo, su reconocimiento como genio de la pintura del Renacimiento y el manierismo en España procede del siglo XIX cuando se le "redescubre".
§  Alonso Berruguete: formado en Italia, donde permaneció más de 10 años, sus obras son de gran expresividad, carácter manierista.
§   Fernando Yáñez de la Almedina, activo en Valencia junto con Hernando de los Llanos.
§  Vicente Macip y su hijo, Juan de Juanes, seguidores en Valencia de Leonardo da Vinci y Rafael
§  Luis de Morales: quien aplica las técnicas del sfumato de Leonardo da Vinci a sus composiciones básicamente flamencas.
§  Alonso Sánchez Coello: retratista de cámara, en cuya producción se reúnen las influencias flamencas de Antonio Moro y las italianas de Tiziano


Laocoonte y sus hijos, El Greco


ARQUITECTURA

1ª etapa: Estilo plateresco

 

El desarrollo del Renacimiento se produjo principalmente por arquitectos locales. De esta manera, se creó una corriente puramente española del estilo, que se vio influida por la arquitectura del sur de Italia . Este estilo español llamado plateresco, combinaba las nuevas ideas italianas con la tradición gótica española, así como la idiosincrasia local. El nombre proviene de las extremadamente decoradas fachadas de estos edificios, que se asimilaban al intrincado y detallista trabajo de los plateros.










(fachada universidad de Salamanca, fachada de san esteban en salamanca)








2ª etapa: Clasicismo

 

Con el paso de las décadas, la influencia del Gótico fue desapareciendo, llegándose a alcanzar un estilo más depurado y ortodoxo, desde el punto de vista del Renacimiento. El clasicismo se caracteriza por una mayor austeridad decorativa, que se limita a algunos elementos concretos, generalmente de inspiración clásica. Hay un cierto cansancio de la exuberancia decorativa a mitad del siglo XVI y se imponen los edificios de aspecto más sereno, armónico y equilibrado.



3ª etapa: Estilo Escurialense

A mitad del siglo XVI, la iniciación del Monasterio de San Lorenzo del Escorial como símbolo del poder de Felipe II de España por Juan Bautista de Toledo (fallecido en 1567) y Juan de Herrera supuso la aparición de un nuevo estilo, que se caracteriza por el predominio de los elementos constructivos, la ausencia decorativa, las líneas rectas y los volúmenes cúbicos. Significa además la introducción de los postulados manieristas provenientes de Italia.
Este estilo bautizado posteriormente como estilo herreriano en honor de la figura indiscutible de Juan de Herrera, dominó la arquitectura española durante casi un siglo.


Escultura
Autores italianos en España: Doménico Fancelli y Pietro Torrigiano.
Los autores formados en la tradición gótica asimilan las novedades italianas.
Alonso Berruguete: escultura con micha fuerza que busca asimetría y el movimiento forzado, producto de la unión entre la expresión gótica y el manierismo.
Juan de Juni: formas monumentales de plegados abundantes, rostros naturalistas y composiciones teatrales.

                                                                            Alonso Berruguete

martes, 21 de febrero de 2012

RENACIMIENTO

El renacimiento y manierismo

Arquitectura

-la arquitectura del renacimiento se inspira en los antecedentes romanos y griegos.
-los cinco ordenes arquitectónicos básicos
-La bóveda de cañón y el arco de medio punto.
-los tirantes metálicos se introducen entre las bóvedas para contrarrestar las cargas.
-conocimientos  sobre la perspectiva hacen posible realizar las obras arquitectónicas simétricas y regulares en que las linias llevaban a un único punto central.
-la urbanística moderna como intento de racionalización de las ciudades comienzan con el renacimiento, a la practica se consuma solamente en plazas
-tipología: las construcciones arquitectónicas mas importantes fuero: la iglesia (panta de cruz latina o planta central), y el palacio.

palacio Medici-Ricardi


Quattrocento

Urbanismo:
 Desarrollo de teorías urbanísticas.
Búsqueda de espacios racionales y organizados.
Distribución regular de los distintos sectores.
Arquitectura civil:
Diseño de nuevos sistemas constructivos.
Palacios: estructura cúbica para poder añadir mas habitaciones , fachada decorada con almohadillado.
Hospitales
Arquitectura religiosa:
Se mantiene la planta basilical.
Importancia de la planta central.
Uso de la cúpula

cupula de santa maria de las flores


CINQUECENTO

Urbanismo:
Consolidación de las teorías urbanísticas del siglo anterior, para lograr espacios adicionales
Arquitectura civil:
Cambios y nuevas tipologías
Palacios: sobriedad en la fachada con alternancia de frontones sobre los vanos
Villas: agrícolas y de recreo
Teatros y bibliotecas

palacio Farnesio

Arquitectura religiosa:
Roma, capital de la cultura y el arte
Discusión entre los dos tipos de planta: basilical y centralizada
La contrarreforma y las nuevas necesidades de la iglesia católica.

san pedro del vaticano


ESCULTURA

-          Marcado naturalismo que buscaba el máximo parecido con la realidad
-          Gran interés por el hombre como individuo. Su cuerpo y su expresividad fueron objetos de especial estudio
-          Tendencia al monumentalismo
-          Independización de la escultura con relación a la arquitectura.
-          Uso de esquemas formales geométricamente simple.
-          Predominio de las líneas curvas que hacían volver a la tradición griega.
-          Aplicación de las leyes de la perspectiva que promete dar a diferentes figuras una relación parecida a la real.
-          Retorno de los monumentos ecuestres.
-          Materiales: madera, bronce y mármol.
-          Gran expresividad, movimiento y fuerza interior.






eehercules y anteo                                                                                                               david, donatello
ga                                                               gattamelata, donatello

PINTURA

-          Hombre como tema principal
-          Uso de la perspectiva
-          Incorporación de nuevas técnicas: pintura al oleo, la tela como soporte, esbozos,
-          Utilización de la técnica de claroscuro.
-          Predomina el dibujo por encima del color.
-          Uso de esquemas formales
-          Invención del retrato como reflejo de individualidad personal y no como una constatación de la condición social del personaje.
-          Reivindicación del paisaje.

QUATTROCENTO

-ruptura con el gótico internacional
-inspiración en el mundo clásico
-plasmación fiel de la naturaleza y su tridimensionalidad
-empleo de la perspectiva
-Estudio de la luz y del movimiento.

el tributo a cesar, masaccio

el nacimiento de venus botticelli

CINQUECENTO

-dominio de la técnica, a partir de los estudios iniciados en el siglo anterior.
-apogeo de la pintura renacentista con la aparición de los grandes maestros.
-proceso de interpretación personal de las formas, dando lugar al manierismo.

la gioconda, leonardo da vinci


MANIERISMO

-ruptura del equilibrio alcanzado en favor de la interpretación personal de las reglas que hacían los grandes pintores.
-complicación formal: actitudes extravagantes, curvas y posiciones forzadas.
-colores suaves e irreales.